Som vi har undersøkt tidligere, har deltakelsen på kinoer falt i 2016. Folk rett og slett ikke liker å se film i et teater lenger, og hindrer ethvert større epos som krever visning på en stor skjerm, muligens i IMAX med 3 -D briller å starte opp. Økningen av etterspørsel og hjemmemedier kombinert med den tvilsomme kvaliteten på noen av Hollywoods nylige utgivelser holder folk til å holde seg hjemme for å unngå å betale de stadig økende prisene på en kinobillett.
Selv om antall filmdeltagere har gått ned, fortsetter filmelskere å fortære mediet. De høye billettprisene og mangelen på utgivelser forhindrer cinephiles fra å se noen av de store filmene som produsentene deres hadde til hensikt - på en stor skjerm! Akkurat som ingenting virkelig kan erstatte live-teater, kan ingen mengder av høye def-TV-er og streamingtitler noen gang erstatte å se en film på kino. For den saks skyld kan visse filmer bare oppnå full effekt når de blir sett på en storskjerm. Her er 15 flotte filmer som må sees på storskjerm.
15 Star Wars
Star Wars er en slags film som ingen andre - en som spiller på barndommens uskyld, drømmer om fremtiden, jungianske arketyper og kjærligheten til vennskap. Sjelden, om noen gang, har en film så myldret av glede og moro i hver eneste ramme. Den gleden kommer også på hjemmemedier - hvordan kan jeg ellers forklare det vedvarende fenomenet Jedi Knights and Droids? Likevel kan ingen hjemmeskjerm gjøre rettferdighet mot filmen som bidro til å finne opp blockbuster, som la karakterer som Darth Vader til zeitgeisten eller ord som lyssabel til det sproglige. Star Wars hører hjemme på storskjerm.
Bare prøv det: se A New Hope, i et teater fullt av fans. Når Millennium Falcon sprenger inn i hyperspace, vil du finne deg skrikende som en galning. Selv om du har sett filmen - og den scenen - hundre ganger før, vil du se den for første gang på en veldig ekte måte - på storskjerm, der den hører hjemme.
14 2001: A Space Odyssey
Stanley Kubrick oppfant den moderne science fiction-filmen med sin elefantinproduksjon i 2001: A Space Odyssey. Med banebrytende spesialeffekter (som vant Kubrick sin eneste Oscar) sammen med regissørens varemerkes omhyggelige og sterile skuddkomposisjon, løftet 2001 baren på gjennomtenkt sci-fi og om forestillingen om rom-eposet.
Kubrick filmet filmen i formatet til Cinerama, som innebar å projisere filmen på tre projektorer for å danne et ultra-sized bilde. Han filmet også på 70 mm film, og skapte bilder med utrolig detalj og omfang. Lenge før IMAX ble fôr for Hollywood-blockbusters, ville IMAX-skjermene vise 2001, som en av få filmer som Tinseltown noensinne hadde produsert som kunne leve opp til formatet.
Publikum som ser på 2001 som en kjedelig, stiv og kjedelig affære, har ikke sett det på storskjerm. I et teater bobler filmen av liv og dybde. Publikum kan plutselig lese tekniske avlesninger som vises nesten usynlige på en TV-skjerm. Kubricks skuddkomposisjoner får en uhyggelig, symbolsk betydning, og skuddene fra Discovery som flyr gjennom verdensrommet, trekker frem publikum pusten fra.
13 Lawrence of Arabia
Regissør David Lean bygde en karriere på godt produserte, praktfulle storskjerm-eposer, alt fra krigsfilmer som Bridge on the River Kwai til melodramas som Dr. Zhivago. Uten tvil kom Leans største prestasjon i en karriere med monumentale filmer i 1962 da han regisserte Lawrence of Arabia.
Produksjonen tok mer enn ett år å filme, og inneholdt en rekke skattede skuespillere inkludert Alec Guinness, Omar Sharif, Claude Rains og, i sin filmdebut, Peter O'Toole. På papiret leser Lawrence of Arabia som en gal manns feber drøm: et 3-timers epos om foreningen av forskjellige arabiske stammer av en engelskmann - uten kjærlighetshistorie. Faktisk har ikke en kvinne engang en talende rolle i filmen. Lean håndverk dette uvanlige materialet, imidlertid, i en av de mest kjeven slippe handlingene med filmoppløsningen i historien. Lean ble filmet i 70 mm og fanget noen av de mest forbløffende bildene som noen gang er blitt filmet: Lawrence tempoet over horisonten i et hav av sanddyner. Speidere som kikker over steinete ørkenklipper for å finne en beduin-leir. Et raid på kamel og hest med hundrevis av statister.
David Lean lagde filmer som ville dra full nytte av de tekniske og estetiske elementene på en kino. Lawrence of Arabia eksemplifiserer dette prinsippet - for å forstå filmens episke herlighet, bør seerne bare se den i et teater. Å se den noe annet sted bør utgjøre en forbrytelse!
12 Mad Max: Fury Road
Den mest strålende filmen fra 2015, Mad Max: Fury Road fant septuagenarisk regissør George Miller på høyden av sin makt. Den fjerde filmen i kult Mad Max-serien, filmen representerer ikke bare høydepunktet i franchisen, men en ny høyde for alle actionfilmer. Miller trekker i essens av en actionsekvens fra vegg til vegg som kjører hele løpetiden av filmen, mens han på en eller annen måte fremdeles klarer å gi historien og karakterene hans dybde.
Miller filmet Fury Road i HD-digitalfotografering som gjorde at han kunne legge til 3D-effekter i etterproduksjonen. I et hvilket som helst format, skjønner Fury Road grunnene til at noen vil sitte gjennom en film i utgangspunktet - nærmere bestemt i et teater. Den utrolige ørkenen og fjellutsikten - Miller skutt på beliggenhet i Namibia - sandstormer og produksjonsdesign med øye-popping fordyper betrakteren i et surrealistisk og ofte morsomt univers. Miller vet også hvordan man kan levere øyeblikk med bemerkelsesverdig finesse. Se hvordan han holder på det slitne ansiktet til Tom Hardy, eller de gjennomstikkende blå øynene til Charlize Theron. Denne typen karakterbilder stoler helt på karismaen til skuespillerne, og et publikum kunne bare sette pris på kraften til dem på en stor skjerm. I filmatiske vendinger er Mad Max: Fury Road en nesten hellig gjenstand. Derfor bør seerne behandle det med hellighet og se det i kinoen.
11 Eraserhead
David Lynch ankom som dynamisk og unik filmskaper med sitt surrealistiske mareritt Eraserhead. Lynch ser seg selv til kinoens mystikk, og Eraserhead spiller på ethvert teknisk og teatralsk element som et filmhus kan bruke. Filmet i svart-hvitt med høy kontrast, og bruker full bruk av lys, skygge og mysteriet med det hele. Lynch brukte et år på å redigere den 89 minutter lange filmen for også å legge spesiell vekt på lyd: Eraserhead har et av de mest lagdelte og unike lydsporene som noensinne er produsert, og bruker hvit støy som et middel til å sette publikum subliminalt på kanten.
Eraserhead var med på å skape miljøet fra midnattsfilmen - den typen film som er best sett i teateromgivelser under nattens mysterium. Innstillingen om natten tilfører filmen et nytt lag av atmosfære. Når de blir sett om natten - og la oss være ærlige, ofte under påvirkning - flommer midnattfilmer som Eraserhead over sansene, og fengsler publikum på et nesten spirituelt nivå.
10 fremmede
Ridley Scott løftet sperren på science fiction og skrekkfilmer med skrikeren Alien fra 1979, en film som introduserte tidenes actionheltinne, Ellen Ripley. Som spilt av Sigourney Weaver (i sin filmdebut), står Ripley høyt midt i død og ødeleggelse som en pilar i menneskelig utholdenhet. Av den grunn alene vil filmen alltid forbli en sædklassiker.
Utover Weavers ytelse, sprøyter Scott imidlertid fremmed med en stilig og visceral kraft som bare er fullt verdsatt på storskjerm. Filmen ser for seg en uvanlig rollebesetning av karakterer - slags ytre romtrucks, rå arbeidere for å kontrast til de uendelige rekkene av forskere som vanligvis befolker romfilmer. Scott banket også på to bemerkelsesverdige billedkunstnere - Chris Foss og HR Giger - for å designe filmen, noe som resulterte i en av de mest estetisk arresterende filmene noensinne.
Kraften til Alien kommer delvis fra stillheten i et filmhus. Som de andre titlene her, er det en oppslukende opplevelse. Ettersom bilder av Ripley og det sanselige fremmede dyret veksler på skjermen, tar filmen betrakteren med på en øvelse i terror med få likeverdige. Filmen fortjener mørket i et teater, om ingen annen grunn, men at på jorden, på kino, alle kan høre et skrik.
9 Titanic
Både kritikere og seere overser en av James Camerons Titanic store dyder. Midt på omdømmet, lokket, tre-dialogen, fremveksten av Winslet og DiCaprio, Celine Dions kroning og den enorme prislappen på produksjonen, hvor lett glemmer folk ofte at Cameron har laget en hyllest til gårsdagens Hollywood-epos. Titanic opptar det samme panteonet med storslåtte produksjoner som The Sound of Music, De ti bud eller, vel, En natt å huske. Det verdsetter den frodige skalaen til filmskaping, og muligheten til å gi et publikum en fantastisk overdådighet.
Arven etter Titanic som en juggernaut i et kontor, viser bare hvor godt Cameron kommanderer mediet. I denne samtida kan den eneste måten å verdsette filmens dyder faktisk være å se den på kino. Hvordan kan en seer sette pris på den ekstravagante produksjonsdesignen, lydredigering eller visuelle effekter? Mer enn noe om, gjør Titanic medmenneskelighet til en varig klassiker. Filmen ser ikke på seg selv så mye til opptoget, eller til og med for den forutsigbare kjærlighetshistorien som det gjør de menneskelige kostnadene ved at skipet synker. Jacks død kommer til å symbolisere døden til så mange andre som er frarøvet livet gjennom hubris og elitisme. Etter hvert som støyen fra det synkende skipet forsvinner, og gir vei for å klynke hulket, er det bare et publikummedlem i et teater som vil innse: De fleste av disse sobene kommer ikke fra skjermen.
8 Christopher Nolan-filmografien
Få regissører har utvidet bruken av IMAX-fotografering som Christopher Nolan. Foruten å mestre drama, spenning og action, vet Nolan, sammen med den hyppige kinematografen Wally Pfister, hvordan man fanger et bilde, det være seg en høyden skyskraper, et intergalaktisk stjernefelt eller et drømmebilde som trosser fysikkens lover. Nolan forstår kraften til et enkelt bilde, og bruker teatralske, og spesielt IMAX, formater for å maksimere innvirkning. Åpningene til The Dark Knight og The Dark Knight Rises spiller begge som løfter. Som to av de beste sekvensene som noensinne er åpnet, antyder de de fantastiske filmene som skal følges. På samme måte er bildet av Joseph-Gordon Levitt som løper opp og ned vegger i begynnelsen den typen perler som bare filmene kan tilby.
Selv Nolans mer intime filmer vet hvordan de skal bruke filmopplevelsen til maksimal effekt. Memento spiller som et gjennomtenkt filmeksperiment på den lille skjermen, men på storskjerm blir en stram spennings-thriller. Et felt med lyspærer som lyser opp et felt i Colorado i The Prestige, fanger unike og surrealistiske bilder for å matche historien om rivaliserende tryllekunstnere. Kanskje mer enn noen annen regissør i dag, fortsetter Nolan å innovere den teateropplevelsen. Filmmultiplekser kan være en truet art i tiden med on-demand og BluRay, men det betyr ikke at mestere i mediet vil la den teateropplevelsen lett dø.
7 Kjever
Sammen med Star Wars skapte Jaws konseptet med den moderne blockbuster-filmen, og endret Hollywood for alltid. Regissør Steven Spielberg låner en terrorøvelse og spenning fra Alfred Hitchcock og David Lean for å lage et skremmende premiss til en inspirert skrekk-thriller.
I likhet med Lean, forstår Spielberg kraften i et viltvoksende bilde - en subliminell påminnelse til seerne om uvesentlig betydning av en individuell person i det store planen for universet. Spielberg adlyder også de hitchcockianske prinsippene om spenning: å la publikum se bomben (eller i dette tilfellet haien) før karakterene. Disse spenningsmekanismene spiller best i det kontrollerte miljøet på en kino. Også det gjør skrekken i en film som Jaws: den felles opplevelsen av å se en film blir aldri tydeligere enn i øyeblikk av full terror. Den nådeløse spenningen til Jaws blir redusert når den sees på en TV-skjerm, når avbrudd fra reklamefilmer, mobiltelefoner eller bare pauseknappen kan tømme stemningen. På en kino setter Jaws seeren gjennom ringetonen - det er en helt nådeløs film.
6 Borte med vinden
Kritikere nevner ofte Borte med vinden som det store filmatiske epos. Produsent David O. Selznick sparte ingen utgifter for å tilpasse den populære borgerkrigsromanen til skjermen, og brukte enorme sett og et rollebesetning av tusenvis for å fordype seeren i en svunnen tid.
Morsomt, det er det ordet igjen: fordypning. Selznick satte sammen med regissør Victor Fleming ut for å lage tidenes største film. I sannhet kom de jævla nær. Gone with the Wind er ikke bare noen film
det er en av filmene, en som publikum for alltid vil se og referere til og forelske seg i. Clark Gable og Vivian Leigh gir to av de flotte forestillingene på skjermen. Harrow, romantisk, og med visualiserende aldri mindre enn spektakulære, har Gone with the Wind noe å tilby for omtrent ethvert publikummedlem, og i likhet med Lawrence of Arabia, er det noe av en hellig relikvie fra film. Det hører hjemme på hellig grunn: hjemme i et filmhus.
5 Avatar
De siste årene har kinokritikere - inkludert flere her på Screen Rant - kommet til å stille spørsmål ved verdien og effekten av James Camerons Avatar. Filmen forårsaket en oppsving ved utgivelsen, og ble til slutt den høyeste grovfilmen i historien. Likevel i dag ser filmkultur på filmen og lurer på hva alt oppstyret handlet om. Avatar hadde spektakulære bilder, men historien genererte ikke den typen fans som til og med en beskjeden hit som Deadpool har vunnet. Filmen hadde ingen varig effekt på popkulturen, og får faktisk mer kritikk for en sliten historie og flate karakterer enn den slags ros som en film som knagget ni Oscar-nominasjoner.
Fremveksten og fallet av Avatar kommer til ett enkelt faktum: folk ser ikke filmen i et teater lenger. I 2009 strømmet folk til multiplexet for å se en film med utrolig visuell blomstring forsterket av IMAX og banebrytende 3D-teknologi. På en kino spiller Avatar — på noen måter — mer som en temaparktur enn en film. Gleden ved filmen kommer ikke fra historien, men fra opplevelsen av å ta del i en fremmed verden som ser ut til å søle av skjermen. I den forbindelse kvalifiserer Avatar ikke som en flott film - bare en flott tid på filmene.
4 Tyngdekraft
I likhet med Avatar satte regissør Alfonso Cuaron ut for å banebrytende med filmen Gravity. I motsetning til Avatar, som bare har innflytelse i et teater, innoverer Gravity nye historiefortellingsteknikker sammen med dets spektakulære visuals. Cuaron skjøt Gravity spesielt for IMAX-formatet for bedre å simulere størrelsen på det ytre rom. Han brukte videre digital teknologi for å eliminere kutt fra skudd til skudd, noe som ga filmen et mer dokumentarlignende preg. I stedet for å stole på billige "gimmick" -bilder, utnyttet Cuaron videre 3D-prosessen for å skape enorm dybdeskarphet i kinematografien.
Tyngdekraften følger historien om en kvinne fanget alene i verdensrommet. Men for en kort scene av en annen astronaut, og en drømmesekvens, skildrer filmen kvinnen som helt alene. Sandra Bullock tok den vanskelige ledelsen, noe som ville kreve at hun skulle vises i nesten hver eneste ramme av filmen. Hers er det største enmannsshowet i filmhistorien: Bullock klarer å kjøre spekteret i forestillingen sin, ofte uten at noen (eller noe, takket være spesialeffektene) reagerer på. Prestasjonene hennes har desto mer innvirkning når de blir sett på en gigantisk IMAX-skjerm, som sammen med IMAX-filmkameraet og bruk av 3-D gjør Gravity til et must i et teater.
3 Gudfaren
Gudfaren har blitt en sædklassiker. I dag, mer enn 40 år etter utgivelsen, fortsetter filmen å stave bind publikum med sin kraft og spenning. Så hvorfor krever filmen en kino for full innvirkning? Enkelt: det var en av de siste filmene som ble laget uten tanke på hjemmemediene.
The Godfather og dens første oppfølger brukte begge en prosess kjent som IB Technicolor. Teknikken tillot film å absorbere farger i storslått detalj, og produserte et rikt, strukturert bilde mer på nivå med et Rembrandt-maleri enn andre filmer i sin tid. IB Technicolor gikk ut av bruk etter fullførelse av The Godfather Part II, og ingen film eller digital teknikk har ennå matchet de overdådige fargene. Bare av den grunn fortjener Gudfaren å bli sett på et teater.
Filmen hender også å være en flott film, full av lagdelte, spennende karakterer, spenningsfull plotting, flott action og noen av de beste forestillingene som noen gang er filmet. Et råd om å se The Godfather på storskjerm: ta mat. Antall scener med karakterer som spiser deilig italiensk mat, ville gjøre noen sultne!
2 Apokalypse nå
Francis Ford Coppola stakk sin personlige formue og sin fornuft med å lage Apocalypse Now, hans epos om Vietnamkrigen. Skytingen varte i mer enn ett år, og møtte hindringene fra tyfoner, politiske revolusjoner, virkelige kriger, drog ut skuespillere, Martin Sheens hjerteinfarkt og Marlon Brandos stadig mer forstyrrende metode som skuespill og ballongvekt. Coppola selv tenkte på selvmord på rutinemessig basis, og kastet ifølge sine nærmeste venner en del av hans fornuft i jungelen under skytingen.
Til tross for den helvete produksjonen, ble Apocalypse Now en sædklassiker, et vitnesbyrd om kraften og galskapen til kino, og av mennene og kvinnene som skaper den. Coppola blandet og redigerte filmen med den hensikt å bygge et teater som ville inneholde flere "interaktive" effekter for å korrespondere med filmen, snarere som en Disney-temaparkattraksjon. Han fikk aldri bygget den, men selve forestillingen om at han designet filmen som sådan krever at publikum ser den på kino. Lastet med hjemsøkende bilder, strålende forestillinger og filosofiske spørsmål, fortjener Apocalypse Now påkrevd visningsstatus i amerikanske historiklasser. Nevnte forbehold bør også kreve at publikum ser det i et teater!
